Paris w Teksasie był nominowany do czternastu nagród. Film otrzymał nagrodę za najlepszą reżyserię, zdobył nagrody na Festiwalu Filmowym w Cannes oraz Nagrodę Krytyków Filmowych FIPRESCI. Operator obrazu został uznany za najlepszego w gatunku filmów fabularnych.
Wędrując znikąd, Travis rozumie, że gdzieś ma ukochaną rodzinę. Nie wiadomo mężczyźnie, że od momentu jego zniknięcia z życia bliskich minęło kilka lat. Desperackim poszukiwaniom siebie w bezdrożach amerykańskiego zaplecza towarzyszy muzyka Paradise Cooder, wprowadzająca widza w trans. Świecąca gwiazda uznania dla jego talentu wyrosła nad miastem Paris w Teksasie.
Szczyt sukcesu
Filmowcy bardzo lubią gatunek przygód drogowych. Miejsce w nim ulokowane jest zarówno dla luksusowych widoków, jak i samej istoty kierunku, czyli niekończącej się podróży. Reżyseria kina drogi przyniosła uznanie i sławę niemieckiemu reżyserowi Wimowi Wendersowi. Najsłynniejsze dzieła reżysera „Alicja w miastach” i „Fałszywy ruch” zostały nakręcone w stylu przygód drogowych.
Dziesięć lat później „Paris, Texas” stał się nie tylko ostatnim etapem twórczości, ale pełnił także rolę symbolu pożegnania z amerykańskimi wpływami na twórczość reżysera. Wenders od pierwszych ujęć oddaje romantyzm i kult wielkich dróg, tak czczonych w Ameryce lat siedemdziesiątych i osiemdziesiątych, zarówno w kinie, jak iw życiu.
Charakter narodu wyraża się wyraźnie w stałości dynamiki, nieustannym ruchu. To właśnie w tym środowisku ulokowano temat samotności. Ta kontrowersyjna cecha jest odczuwalna nawet w gęsto zaludnionych obszarach San Francisco. Z powodu tego uczucia nawet najpiękniejsze pejzaże obrazu są opuszczone.
Głównym symbolem samotności jest migawka w rękach bohatera. Zdjęcie przedstawia opustoszałe miejsce w amerykańskim mieście Paryż. Postać grana przez Harry'ego Deana Stantona jest wyrazem tej esencji. On, podobnie jak zachodni bohater, jest aspołeczny, stara się trzymać z dala od społeczeństwa i dlatego jest samotny.
Cztery lata tułaczki w zapomnieniu, powrotu do rodziny przez szczęśliwy wypadek i odnalezienie pozornego sensu życia nie oznaczają znalezienia prawdziwego szczęścia. Na pierwszy rzut oka sen się urzeczywistnia. Jednak wieczny wędrowiec zamienia się w ducha samego siebie na bezkresnych przestrzeniach Kalifornii. Subtelny wątek nawiązuje do poetyki wyobcowania Antonioniego.
Składniki sukcesu
Magia ścieżki dźwiękowej Paradise Kuder dodatkowo wzmacnia uczucie próżni. Slajdowa gitara wydaje się rozpraszać nuty pełne melancholii i napięcia. Kompozytor antycypował film „Rozdroża”, który stał się ikoną w jego biografii, tonacją utworu. Rozdrobnienie medytacyjnej muzyki pada na jasne nasycenie pejzaży.
Operator Robbie Mueller nadał lokalnemu dramatowi rodzinnemu nieskończony wymiar, kontynuując film drogi Jarmuscha. Umiejętnie wykorzystuje kombinację, aby osiągnąć efekt. Najpierw pojawiają się majestatyczne wzgórza, które królują nad wszystkim, wyrastając z pustynnych równin, potem zastępują je betonowe dżungle.
Film należy do nietypowych przedstawicieli gatunku. W tej szosowej przygodzie nie ma napędu ani dynamiki. Wenders przeniósł romantyczny smutek kontynentu europejskiego na zamorskie południe. Celowo podkreślona samotność nie znika, otaczając każdą klatkę. Pod koniec filmu powstaje niemal utopijny nastrój, nawiązujący do „Kobiety w piaskach” Kobo Abe.
Ale bohaterem europejskich Wendersów jest Amerykanin, prawdziwy bohater Zachodu. Nie prowadzi osiadłego życia, jego dusza potrzebuje wędrówki, a to jest pielgrzymka na całe życie. Uznanie pracy w Cannes jeszcze bardziej upiększyło film o Ameryce.
Obraz został nakręcony wyłącznie dla rozczarowanych wszystkim Europejczyków. Fabuła zapożyczona z antycznego mitu, sceneria zaczerpnięta z westernów, motyw utraconej i odzyskanej pamięci dopełnia taśma. Świadczy to o dążeniu reżysera do wyjątkowości równowagi między intelektem a energią cielesną, wznoszącej się ponad codzienną rutynę panoramicznego rozmachu.
Bohater Travisa wyłania się z bezkresnej pustyni przy akompaniamencie hipnotyzujących melodyjnych akordów gitarowych. Bohater ucieka przed katastrofą rozstania z żoną, która porzuciła męża i dziecko. Brat Travisa, Walt, stopniowo pomaga bratu przywrócić mu pamięć, wrócić do korzeni i do siebie. Ta praca była punktem zwrotnym w karierze Wendersa. Reżyser z wielką starannością poznaje własne wzajemne odczucia wobec społeczeństwa, stara się znaleźć własną drogę.
Postacie i fabuła
Zmęczona niekończącymi się scenami zazdrości męża, Jane wychodzi z domu, zabierając ze sobą małego Huntera. Znika z życia bliskich w Teksasie. Mija kilka lat. I dopiero wtedy Waltowi udaje się pomóc im wszystkim odnaleźć drogę do siebie. Paryż nie ma nic wspólnego ze stolicą Francji: to tylko maleńkie miasteczko na teksańskiej dziczy. Ale sam obraz dotyczy całego świata. Film zdaje się krzyczeć o potrzebie przezwyciężenia wyobcowania między bliskimi.
Zaginioną osobę odnaleziono cztery lata później. Ma głęboką amnezję, jest w szpitalu w Teksasie, stracił nie tylko pamięć, ale i mowę. Ojciec wraz z synem wyrusza na poszukiwanie żony, o której zapomniał, a którą kiedyś kochał. Za pomocą wizytówki lekarzowi udało się odnaleźć Walta, brata bohatera. Wziął krewnego do domu. Przez cały ten czas Hunter, syn Travisa, dorastał w ich rodzinie.
Fabuła wydaje się prowadzić donikąd, uchylając się, jak główny bohater, w drodze do rozwiązania. Obraz wyjaśnia niezdolność ludzi do prawdziwej komunikacji. Bardzo rzadko bohaterowie stają ze sobą twarzą w twarz, co jest bardzo niepokojące. Punktem kulminacyjnym jest scena rozmowy Travisa z Jane. Są oddzielone lustrem weneckim. Dopiero w takiej sytuacji oboje uświadamiają sobie, co wydarzyło się między nimi w przeszłości.
Po premierze Wima Wendersa znów mówi się o wybitnym mistrzu swoich czasów. Nie zmienił głównego tematu, poszukiwania swojego miejsca w świecie.
Obraz stał się opowieścią o osobie, która straciła pamięć i znalazła się w punkcie zerowym istnienia. Tam poznał ludzi ze swojej przeszłości, odnalazł syna i wytłumaczył się z żoną.
