Historia światowego kina liczy dziesiątki milionów filmów. Większość z nich, w taki czy inny sposób, dotyczy miłości. Około pięciuset - daj lub weź kilkadziesiąt - można przypisać klasykom kina. Dlatego kryterium wyboru prezentowanych filmów były tylko trzy warunki: nie więcej niż trzy z kontynentu, co miało niepodważalny wpływ na sztukę filmową w tym sensie, że każdy z nich na pewnym etapie historii kina przyczynił się do rozwój języka filmowego, wszyscy zostali włączeni do Złotego Funduszu Akademii Filmowych i Filmowych.
Najtrudniejsze dla badacza, który z klasyki kina postanowił wybrać tylko filmy o miłości, będzie poszukiwanie ich w twórczości sowieckiej i latynoamerykańskiej. Nie żeby takie filmy nie były kręcone w republikach sowieckich czy w krajach Ameryki Południowej, wcale nie, wręcz przeciwnie, ale tylko kilka z tych nakręconych przez kilkadziesiąt lat weszło do klasyki kina. Kolejną trudnością jest wybór obrazów powstałych w Europie lub USA. Są ich setki. Czy sytuacja polityczna i gospodarcza wpływa na tworzenie arcydziełowych filmów o miłości? Tak. Dlatego w przypadku filmów radzieckich dokonano wyjątku od powyższych zasad: prezentowane są tu nie trzy, ale cztery radzieckie filmy o miłości, które stały się klasyką kina.
Filmy radzieckie
Lecą żurawie (reż. Michaił Kolotozow, 1957). Jasna i szczęśliwa historia miłosna Borysa (Alexey Batalov) i Weroniki (Tatyana Samoilova) pęka z rywalem, któremu prawie nie można się oprzeć - wojną. Ten rywal pokonał ich życie, ale nie mógł zniszczyć ich uczuć. Do kręcenia filmu wybitny radziecki operator Siergiej Urusewski wymyślił szereg rozwiązań technicznych, które stały się klasyką sztuki kameralnej. Film - Laureat „Złotej Palmy” na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cannes w 1958 roku.
Amfibia (reż. Władimir Czebotarew i Giennadij Kazański, 1961). Piękny, dziwny młodzieniec Ichthyander (Vladimir Korenev) od pierwszego wejrzenia zakochuje się w pięknej Gutierre (Anastasia Vertinskaya). Wydawałoby się, że powinna na nich czekać romantyczna i bajeczna historia miłosna, ale ta historia musi popaść w konflikt ze wszystkim, co wulgarne i straszne, co jest na Ziemi wśród ludzi.
Fotografowanie podwodne, realizowane podczas pracy nad obrazem, stało się na swój czas przełomem technicznym dla całego światowego kina. Film otrzymał nagrody: Srebrny Żagiel na festiwalu filmów fantastycznych w Trieście (Włochy, 1962), II nagrodę „Srebrny statek kosmiczny” na I MFF filmów science fiction w Trieście (1963).
„Dziennikarz” (reż. Siergiej Gierasimow, 1967). Historia opowiedziana w filmie jest jednocześnie prosta i złożona: na powierzchni widać miłość wielkomiejskiego dziennikarza do prowincjonalnej czystej dziewczyny na tle wypełniania swojego przemysłowego obowiązku. Ale wyjątkowość tego filmu polega na tym, że jest absolutnie nietypowy. Jest nietypowy na swoje czasy, nietypowy dla reżysera Siergieja Gerasimowa, który go stworzył, zarówno w zakresie wprowadzenia języka filmu dokumentalnego do kina fabularnego, jak i w poruszanych w nim tematach: z erotyki i pasji, jakich doświadczają dla siebie bohaterowie, do aktualnej i toczącej się dyskusji i do dziś o sztuce współczesnej. Film zdobył główną nagrodę Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Moskwie (1967).
„Moskwa nie wierzy we łzy” (reżyser Vladimir Menshov, 1979). Historia dziewczyny Katyi (Vera Alentova), która przybyła z prowincji do stolicy kraju, zakochała się, oszukana przez ukochanego i pomimo wszystkich perypetii osiągnęła w życiu prawie wszystko, czego mógł sobie życzyć sowiecki dla - edukacja i kariera, ale pozostała samotna Aż nagle … nagle, pewnego dnia, w wieczornym pociągu, w jej życie pojawiła się nowa i piękna miłość w osobie Gogi, vel Gosha, vel Georgy (Alexei Batalov). W całej historii kina radzieckiego jest to czwarty i ostatni film, który zdobył Oscara (1981).
Kino latynoamerykańskie
The Sandpit Generals (w reżyserii Halla Bartletta, 1971). Młoda dziewczyna Dora (Tisha Sterling) i jej młodszy brat wpadają do legowiska dzieci ulicy mieszkających na wydmach na obrzeżach Rio de Janeiro. Dziewczyna zostaje zarówno matką, jak i siostrą upośledzonych nastolatków, a także jednym ze starszych dzieci ulicy i kochanką. Takiej miłości – w różnych postaciach – która przenika cały obraz, nie jest tak bardzo w światowym kinie. Film jest kręcony w USA, ale większość kreatywnego zespołu - od aktorów, z których wielu to prawdziwe brazylijskie dzieci ulicy, po kamerzystę, kompozytora i reżysera - to Brazylijczycy, więc świat postrzega ten obraz jako brazylijski. Nagrody: Nagroda na VII Moskiewskim Festiwalu Filmowym (1971). W ZSRR film stał się liderem dystrybucji filmów w 1974 roku.
Dona Flor i jej dwaj mężowie (Dona Flor e Seus Dois Maridos, reżyseria Bruno Barreto, 1976). Młoda Flor (Sonia Braga), nie przejmując się radą, z wielkiej i czystej miłości wychodzi za mąż za rozpustnika Valdomiro (Jose Vilker), słusznie nazywanego biesiadnikiem. Umiera w kwiecie wieku po kolejnym szaleństwie. Młoda wdowa tym razem postanawia postąpić właściwie i poślubia bezpłciowego farmaceutę. Ale na szczęście dla niej zmarły mąż wcale nie zostawi żony w spokoju. Film był nominowany do Złotego Globu (1979) dla najlepszego filmu zagranicznego, a aktorka Sonia Braga była nominowana do nagrody BAFTA Odkrycie Roku (1981).
Scorched by Passion / Jak woda do czekolady (Como agua para chocolate, reż. Alfonso Aarau, 1991). Dwoje namiętnie zakochanych młodych ludzi, Tito i Pedro, z woli matki Tito, nie było przeznaczone do małżeństwa. Matka skazała swoją najmłodszą córkę na rolę jej osobistej służącej i kucharki. Ale pewnego dnia, po latach… Pewnego dnia Tito i Pedro na zawsze połączą się w jedną całość. Nagrody: Ariel Academy Awards, nominacje do Złotego Globu (1992) i BAFTA (1992).
Kino amerykańskie
Przeminęło z wiatrem (reż. Victor Fleming, 1939). Los młodej i zagorzałej południowca Scarlett O'Hary (Vivien Leigh) i brutalnego przystojnego Rhetta Butlera (Clark Gable) nie postarzał się, od 75 lat porusza serca kinomanów. Bohaterów będzie zbyt wielu: wojna, śmierć, dewastacja, nowo odnaleziony dobrobyt, złudzenia i nieporozumienia, ale będą walczyć o siebie bez względu na wszystko - nawet o własne trudne, wybuchowe postacie z południa. Film na swój czas posiada wiele nowinek technicznych i jest pierwszym kolorowym filmem w historii kina. Nagrody: osiem Oscarów, a także pięć kolejnych nominacji (1939).
„Casablanca” (Casablanca, reżyseria Michael Curtis, 1942). Opowieść o ofiarnej, namiętnej i nieszczęśliwej miłości mężczyzny do kobiety. A kobiety mężczyznom. Akcja dramatu rozgrywa się na tle wojny i niebezpieczeństw w gorącym i dusznym, neutralnym mieście Casablanca. A biorąc pod uwagę fakt, że główne role w tym filmie grają piękna i uwodzicielska Ingrid Bergman i wielki Humphrey Bogart, nie dziwi fakt, że film się nie starzeje. Nagrody: Trzy Oscary za najlepszy film, najlepszy reżyser i najlepszy scenariusz (1944). W 2006 roku US Writers Guild jednogłośnie uznała scenariusz „Casablanki” za najlepszy w historii kina.
Śniadanie u Tiffany'ego (reż. Blake Edwards, 1961). Opowieść o spotkaniu i zakochaniu się młodego pisarza George'a Pepparda (Paul Varzhak) i młodej, kapryśnej i wrażliwej dramatopisarki Holly. Ten film jest jednym z najbardziej romantycznych na świecie, a Audrey Hepburn jako Holly jest jedną z najbardziej wytrawnych aktorek na świecie. Nagrody: dwie Oscary (1962), David di Donatello Audrey Hepburn (1962), nagrody Grammy i Gildia Scenarzystów Stanów Zjednoczonych (1962).
Kino europejskie European
Droga (La Strada, reżyseria Federico Fellini, 1954). Tutaj ofiara zakochuje się w swoim katu. Tutaj czułość i kruchość spotykają się z chamstwem i zdradą. Tutaj Życie jest niekończącą się Drogą, która była poza zasięgiem małej i kruchej cyrkowej kobiety Jelsomine (Juliet Mazina). A ten, który zbyt późno zorientował się, że spotkał jedynego na świecie – brutalnego siłacza Zampano (Anthony Quinn), wciąż musi iść dalej, co jest jeszcze do zrobienia. Film jest najbardziej wyrazistym przykładem neorealizmu. Otrzymał Srebrnego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji (1954), Oscara (1957) i Bodila (1956).
Mężczyzna i kobieta (Un homme et une femme, reżyseria Claude Lelouch, 1966). Dwie wcześnie owdowiały przypadkowo spotykają się na peronie kolejowym. Kiedy Kobieta (Anouk Aimé) spóźni się na pociąg, Mężczyzna (Jean-Louis Trintignant) po prostu zgłasza się na ochotnika, by odwieźć ją do domu. Oboje mają dzieci. Jest cudowną matką. Jest wspaniałym ojcem. Droga stanie się towarzyszem ich natychmiastowych, spokojnych, czystych i rozedrganych, ale i namiętnych uczuć. Nagrody: Złota Palma na Festiwalu Filmowym w Cannes Claude Lelouch (1966), Nagroda OCIC dla Claude'a Leloucha (1966), dwa Oskary (1967), dwa Złote Globy (1967), BAFTA Anouk Eme (1968).
„Ostatnie tango w Paryżu” (Ultimo Tango a Parigi, reż. Bernardo Bertolucci, 1972). Pojawiający się na początku lat siedemdziesiątych film przełamywał schematy światopoglądu: jak dopuszczalne i czy w ogóle można pozostać w granicach artyzmu, wypuszczając tyle filmów szczerze erotycznych, niepewnie balansujących na granicy przyzwoitości? To jest film kryminalny. Ten film to namiętne, niemal mordercze tango dwojga samotnych, nieznajomych, których pociąga do siebie wspólna, niewytłumaczalna, zwierzęca namiętność.
Ale ani On, ani Ona (Marlon Brando i Maria Schneider) nie byli w stanie przejść od absorbującej pasji do prawdziwej, pochłaniającej wszystko miłości. Tylko wąchając jego pochodzenie, zniszczył wszystko. Nagrody: Nagroda Specjalna Davida di Donatello Marii Schneider (1973), Nagroda Srebrnej Wstążki dla najlepszego reżysera Bernardo Bertolucciego (1973), Narodowa Nagroda Krytyków Filmowych USA dla najlepszego aktora Marlona Brando (1974).
