Antonio Canova to włoski rzeźbiarz i malarz. Był najważniejszym przedstawicielem klasycyzmu w kulturze europejskiej. XIX-wieczni naukowcy, w tym Thorvalsen, uważali go za wzór do naśladowania. Największe kolekcje dzieł Canovy znajdują się w Luwrze i Ermitażu.
Wybitny przedstawiciel nowego klasycyzmu uwielbił idealne piękno. Swoimi pracami dokonał rewolucji w sztuce. Mistrz zaczął tworzyć w barokowym stylu Lorenzo Bernii, ale potem udało mu się znaleźć własną drogę.
Początek kreatywności
Biografia słynnego mistrza rozpoczęła się w 1757 roku. Urodził się 1 listopada we włoskim mieście Possagno w rodzinie kamieniarza Pietro Canovy i jego żony Angeli Zardo Fantolini. Ojciec zmarł w 1761 r. Dziecko wychowywał dziadek.
Pazino Canova, który był właścicielem warsztatów kamieniarskich, odznaczał się bardzo trudnym charakterem. Chłopiec nauczył się pracować z kamieniem. Dziadek zauważył talent swojego wnuka i przedstawił Antonio Giovanniego Faliero. W 1768 roku pod patronatem wpływowego senatora młody mistrz zaczął tworzyć swoje pierwsze dzieła.
Aby uczyć wnuka, dziadek sprzedał gospodarstwo. Dzięki otrzymanym funduszom Antonio mógł studiować sztukę epoki starożytności. W październiku 1773 roku młody człowiek rozpoczął rzeźbę Orfeusza i Eurydyki na zlecenie jego patrona. Rzeźbę Canovy ukończył dwa lata później. Sukces pracy był ogłuszający.
Sztuka starożytnej Grecji stała się źródłem inspiracji dla młodego rzeźbiarza. Uznane arcydzieła jego nowoczesności nie znalazły się w liczbie wzorów do naśladowania. Antonio otworzył swój warsztat w Wenecji. W 1779 roku powstała w nim nowa kompozycja „Dedal i Ikar”. Po wystawieniu go na Placu św. Marka ponownie zyskała powszechne uznanie.
Wspaniała praca
Jedna z pierwszych udanych prac Canovy przedstawia dwie postacie. Ikar jest nienagannie piękny i młody. Ciało starego Dedala jest niedoskonałe.
„Dedal i Ikar”
Na przykładzie zestawienia młodości i starości wrażenie kompozycji znacznie się potęguje.
Rzeźbiarz znalazł i zastosował nową, ulubioną technikę. Oś symetrii przebiega centralnie, ale postać Ikara jest odchylona do tyłu. Obaj bohaterowie tworzą razem linię w kształcie litery X, zapewniając niezbędną równowagę. Dla mistrza ważna była również gra cieni i światła.
W 1799 roku dwudziestodwuletni mistrz przeniósł się do Rzymu. Zaczął studiować dzieła mistrzów Grecji. Po rozpoznaniu wszystkich głównych bohaterów mitologii Canova zaczął zastanawiać się nad własnymi tradycjami artystycznymi. Młody mistrz oparł je na szlachetności prostoty. To wyraźnie wpłynęło na jego pracę.
„Amorek i psychika”
Rzeźby Antonia stanęły na równi z legendarnymi rzeźbiarzami starożytności. Mistrz pracował nad poprawą stylu klasycznego. Rzeźbiarz doskonale wpisuje się w kulturalną atmosferę wiecznego miasta. Jego praca przyniosła mu uznanie i światowy sukces.
Kompozycję „Kupidyn i Psyche”, wykonaną w latach 1800-1803, reprezentują dwie postacie. Bóg miłości z czułością spogląda w twarz pięknej ukochanej. Psyche reaguje na niego z tym samym uczuciem. Przecięcie obu kształtów tworzy krętą i miękką linię w kształcie litery X.
Publiczność ma wrażenie, że postaci unoszą się w powietrzu. Psychika z Kupidynem odchyla się po przekątnej. Równowagę osiągają rozpostarte skrzydła mieszkańca Olimpu. Centrum kompozycji stanowi Psyche, obejmująca boga miłości. Kształty są elegancko płynne. W ten sposób mistrz wyraża ideę idealności piękna. Oryginał posągu znajduje się w Luwrze.
Pierwsze prace rzeźbiarza powtarzały prace znanych rzeźbiarzy. Studiując twórczość mistrzów greckich, Canova postanowił jednak nie wyolbrzymiać znaczenia pasji i gestu w swoich kompozycjach. Doszedł do wniosku, że tylko dzięki ścisłej kalkulacji i kontroli mógł przekazać zmysłowość z idealnością.
Prace mistrza w niczym nie przypominały sztuki znanej mu współczesnym. Krok po kroku Canova tworzyła niepowtarzalne dzieła, od wosku i gliny po gips. Dopiero potem rozpoczęła się praca z marmurem. Rzeźbiarz pracował niestrudzenie przez 14 godzin, nie opuszczając warsztatu ani minuty. Brak informacji o jego życiu osobistym.
„Trzy Gracje”
W latach 1813-1816 powstała rzeźba „Trzy Gracje”. Pomysł wyszedł od Josephine Beauharnais. Istnieją przypuszczenia, że początkowo rzeźbiarz zamierzał przedstawiać Harit tradycyjnie, jak przypuszczano w mitologii. Thalia, Euphrosinia i Aglaya, piękne córki Zeusa, towarzyszyły bogini piękna Afrodycie.
Radość, dobrobyt i piękno stały się symbolami łaski. Centralną postać kompozycji obejmują dwie pozostałe. Jedność wzmacnia szal, który ich łączy. Rodzaj ołtarza to podpora kolumny z umieszczonym na niej wieńcem.
Gra światła i cienia została osiągnięta dzięki gładkim krzywiznom korpusów i idealnej obróbce marmuru. Ta technika jest używana w innych kreacjach mistrza. Harmonia i wyrafinowanie są ucieleśnione w trzech Charitas. Oryginał rzeźby znajduje się w Ermitażu.
Do modelowania rzeźbiarz użył tylko białego marmuru. Za pomocą harmonijnych kompozycji bezruch kreacji wydaje się żywy. Odnosi się wrażenie bycia żywym w ruchu. Cechą talentu mistrza było maksymalne polerowanie materiału. Wszystkie prace nabrały szczególnego blasku zwracającego uwagę na naturalność.
„Magdalena pokutująca”
Genua jest domem dla wybitnej pracy Canovy. Powstał w latach 1793-1796. Ta praca jako pierwsza pojawiła się na Wystawie Paryskiej w 1808 roku. Centrum kompozycji stanowi postać pięknej grzesznicy o połamanym ciele, z pochyloną głową i oczami pełnymi łez. Nie może oderwać oczu od krzyża, który trzyma w dłoniach.
Gruba koszula z włosami jest podtrzymywana przez sznurek, a włosy są rozrzucone na ramionach. Postać przepełnia smutek. Ubrania i body - z lekkim żółtawym odcieniem. Tą techniką mistrz podkreśla kontrast między urokiem promieniującym grzesznikiem a znajomością grzesznych głębin. Zgodnie z planem rzeźbiarza, tylko boskie przebaczenie podnosi człowieka.
Kiedy kraj został zajęty przez Napoleona, wiele prac trafiło do Francji. Po upadku imperium Canova rozpoczął swój powrót. Udana praca dyplomaty pozwoliła na powrót nielegalnie wywiezionych dzieł do Włoch.
Wybitny rzeźbiarz zmarł 13 października 1822 r.
